Багетная Мастерская Бестужевой

FAQ

Главная » FAQ [ Добавить вопрос ]

Заметки о паспарту

К вопросу об оформлении фотограйий

Перефразируя известную мысль, можно сказать, что в изображении все должно быть прекрасно: и работа творца, и паспарту, и багет, и развеска работ в выставочном зале. В этой небольшой статье речь пойдет о том, как не испортить хорошую работу плохим оформлением.

Что такое паспарту и зачем оно нужно?

Паспарту — это цветной плотный картон (или другой аналогичный материал), обрамляющий рисунок, картину, фотографию или другое произведение изобразительного искусства. Иными словами, паспарту — это поля между физической рамой и изображением.

Зачем оно нужно? Во-первых, паспарту облегчает восприятие произведения, помогая зрителю сконцентрировать свое внимание на изображении. Во-вторых, паспарту и вся рама в целом защищают произведение от неблагоприятных факторов окружающей среды. В-третьих, грамотно подобранное паспарту может акцентировать те или иные детали изображения и, тем самым усилить эстетическое воздействие на зрителя. В-четвертых, рамка и паспарту являются элементами согласования изображения как с поверхностью стены, так и с другими близко расположенными объектами. В-пятых, оно само по себе может являться предметом искусства. Наверняка можно добавить к этому списку что-то еще, однако цель этой статьи в основном состоит в том, чтобы осветить базовые практические вопросы. Поэтому на этом мы закончим обсуждение вопросов высокой теории и перейдем к практике.

О вреде симметрии

К сожалению, большинство имеющихся в продаже паспарту симметричны. Это означает, что поля по противоположные стороны от изображения у таких паспарту равны. Это позволяет одно и то же паспарту использовать для оформления изображений как горизонтального, так и вертикального форматов. Такой подход весьма практичен, но с точки зрения эстетики он редко бывает оправдан. Эту мысль часто пытаются оспорить. Так, например, Шарон Хаймс (Sharon Himes) пишет в своей статье на сайте ArtCafe: «Если изображение велико или предназначено для развески выше уровня глаз, то иногда нижнее поле паспарту делают шире, что позволяет зрителю, смотрящему снизу вверх, не замечать уменьшения размеров нижнего поля по сравнению с боковыми полями. Так как подобные ситуации редки, то обычно паспарту делают с одинаковыми полями по всем четырем сторонам». С тем, что верхняя развеска требует дополнительного увеличения нижнего поля паспарту трудно не согласиться. А вот с чем никак нельзя согласиться, так это с тем, что при развеске на уровне глаз всегда можно ограничиться использованием симметричных паспарту.

 

39299.gif

рис. 1

Попробуем разобраться, в чем тут дело. Для этого вспомним хорошо известный пример с латинской буквой S. Взгляните на рис. 1. Нижняя и верхняя половинки левой буквы S кажутся нам практически одинаковыми (соразмерными), да и вся буква в целом выглядит вполне гармонично. В то же время этого никак нельзя сказать про правую букву S. Здесь мы отчетливо видим, что верхняя часть буквы чрезмерно велика. Однако самое удивительное заключается в том, что это одна и та же буква! Второй вариант был получен поворотом исходной буквы на 180°.

Зрительное восприятие человека устроено так, что для гармоничного восприятия объекта по вертикали его нижняя часть должна иметь несколько больший зрительный вес. Этот «секрет» уже давно известен всем, кто, так или иначе, связан с печатным процессом. И именно поэтому буква S практически во всех регулярных шрифтах несимметрична: ее нижняя часть несколько превышает по размерам верхнюю.

Этот «секрет», конечно, знают и все производители рам и багетов. В англоязычной литературе он носит название «bottom weighting effect». Таким образом, единственная причина широкой распространенности симметричных паспарту заключается в коммерческой целесообразности.

Справедливости ради надо заметить, что и симметричные паспарту в отдельных случаях смотрятся неплохо. Это случается главным образом тогда, когда функцию увеличения зрительного веса в нижнем секторе выполняет само изображение. Симметричные паспарту бывают также уместны в тех случаях, когда мы имеем дело не столько с художественными произведениями, сколько с познавательными или научными иллюстрациями. Но чаще всего нижнее поле паспарту все же следует увеличивать.

39300.gif

рис. 2

Взгляните на рис. 2. В его верхней части даны примеры симметричного размещения изображения в раме (вариант A). Вариант B отличается от варианта А увеличенным нижним полем. На мой взгляд, даже на этих, небольших по размерам, иллюстрациях видно, что вариант В смотрится в целом гармоничнее.

Иногда достаточно лишь чуть-чуть увеличить нижнее поле — и восприятие изображения значительно улучшается.

Как правильно поместить изображение в раму

Во всех случаях, когда речь идет о зрительном восприятии человека, жесткие формальные правила сформулировать не удается. Все, что будет изложено ниже, не более чем рекомендации. Иногда они быстро приводят к успеху. Иногда они требуют значительных коррекций. Разумнее всего относится к ним, как к хорошей отправной точке. Следует также помнить, что в данной статье речь идет исключительно об одинарных паспарту, обрамляющих единственное изображение в раме.

Прежде всего, следует ответить на вопрос: какого размера должно быть паспарту? Нулевые поля используют обычно при обрамлении живописных полотен. Если же речь идет о графических работах (в том числе и о фотографиях), то надо отметить, что маленькие поля практически не выполняют никакой функции. Они просто зрительно сливаются с физической рамой. Очень широкие поля во многих случаях также неуместны, так как чрезмерно большое паспарту может отвлекать внимание от самого изображения.

Ширина бокового поля, как правило, находится в пределах от 1/3 до 1/2 узкой стороны изображения. Левое поле должно быть равно правому. Верхнее поле часто выбирают примерно такого же размера, что и боковые поля. Нижнее поле по упомянутой выше причине делают несколько больше.

Иногда все же допускается делать боковые поля очень широкими. Такая ситуация может, например, возникнуть, если изображение само по себе не сбалансировано. В качестве другого примера такого рода можно привести гравюры (а также изображения, похожие на гравюры по технике исполнения). Некоторое увеличение полей требуется также для «плотных» изображений (в этом случае изображенные объекты плотно заполняют картину и как бы давят изнутри на ее границы).

Для вертикальных фотографий с соотношением сторон a/b = 2/3 неплохо работают следующие формулы: боковое поле = a/3; верхнее поле = b/5; нижнее поле = b/3. Эти соотношения позволяют определить не только размер паспарту, но и расположение самого изображения.

Если, исходя из тех или иных соображений, размер паспарту вы уже выбрали, а с размещением изображения еще не определились, то в качестве хорошей отправной точки можно использовать рекомендацию из книги В.П. Микулина «25 уроков фотографии». Согласно этой книге, изображение должно находиться в оптическом центре рамы. Найти оптический центр можно с помощью простых геометрических построений (см. рис. 3).

39301.gif

рис. 3

В целом, построения понятны и без дополнительных объяснений. На левом чертеже синие пунктиры делят правое и нижнее поля пополам. В найденную таким образом точку А следует поместить нижний правый угол изображения.

Несколько слов о цвете паспарту

Если речь идет о черно-белых изображениях, то чаще всего имеет смысл выбирать паспарту какого-либо серого оттенка (от белого до черного).

39302.jpg

рис. 4

Белый цвет зрительно увеличивает работу, в то время как черный уменьшает ее (рис. 4). На белом фоне изображение как бы выступает вперед на передний план. Черное паспарту является как бы окошком, сквозь которое мы смотрим на то, что находится за плоскостью картины. Серый цвет выполняет промежуточную функцию. По отношению к изображению он максимально нейтрален.

У каждого цвета есть и свои недостатки. Так, например, белый цвет паспарту может излишне отвлекать зрителя от самого изображения, а черный способен негативно повлиять на правильное восприятие тональностей. Не идеален и серый цвет. «Серые подложки выглядят хорошо с соответствующим изображением, но надо следить, чтобы этот тон не забивал сюжет, который иначе будет выглядеть монотонным и скучным», - пишет Дж. Уэйд в книге «Техника пейзажной фотографии». Кроме того, сохраняя нейтральность по отношению к изображению, серый цвет может диссонировать как с близко расположенными объектами, так и с интерьером в целом.

Надо сказать, что от интерьера вообще зависит многое. Вряд ли имеет смысл вешать на одну стенку рядом друг с другом две работы с существенно различающимся рамками.

Развеска и оформление работ требуют творческого подхода. Однозначных решений здесь быть не может. В любом случае, окончательное решение всегда во многом определяется вкусом и взглядами автора, дизайнера или устроителей выставки.

Часто встречается рекомендация выбирать вместо белого такой цвет, который чуть-чуть темнее самых светлых элементов изображения. (Или, соответственно, вместо черного использовать такой цвет, который чуть-чуть светлее самых темных теней.) Совет этот не плох, но на практике воспользоваться им далеко не просто.

Для цветных изображений можно использовать паспарту как в черно-белой гамме (см. рис. 5), так и цветные (см. рис 6).

39303.jpg

рис. 5

При использовании цветных паспарту целесообразно ориентироваться на спокойные, приглушенные тона. Броские плакатные цвета уместны лишь при решении специальных оформительских задач.

39304.jpg

рис. 6

Цвет паспарту чаще всего выбирают в тон какого-либо элемента изображения. На рис. 6 это соответственно цвет зелени, цвет неба и цвет каменных строений. С помощью цветных паспарту можно подчеркнуть (или, наоборот, приглушить) какие-либо детали на изображении.

Несколько заключительных рекомендаций

В начале статьи говорилось, что рамка и паспарту служат также для защиты произведения от неблагоприятных воздействий окружающей среды. В этой связи важно понимать, что и рамка в целом и ее отдельные элементы сами по себе должны удовлетворять определенным требованиям. Соблюдение нескольких простых рекомендаций позволит на многие годы обеспечить сохранность произведения.

1. Помимо прочего, накладное паспарту должно препятствовать контакту произведения со стеклом рамы. Особенно это актуально для фотографий, эмульсия которых может намертво к нему прилипнуть. По этой причине при оформлении «под стекло» не следует наклеивать фотографию поверх паспарту. Вместо этого надо использовать накладную рамку. Дешевые рамки со стеклом (без паспарту) следует использовать исключительно для оформления работ, не имеющих высокой ценности.

2. Закреплять работу в раме следует неразрушающим способом. Для этого можно использовать, например, фирменные или самодельные бумажные уголки. .

3. Материалы, из которых изготовлены элементы рамки должны быть химически нейтральны (нейтральный фактор pH). Это особенно важно для тех элементов рамы, которые находятся в прямом контакте с фотографией.

Стоимость качественного оформления работы может быть довольно велика. В случае с любительскими фотографиями, затраты на оформление могут даже существенно превзойти расходы на создание самой работы. (Речь, конечно, идет исключительно о тех затратах, которые можно выразить в денежном эквиваленте). Однако никакое шикарное оформление никогда не сможет сгладить несовершенства самой работы. При оформлении эскизов и этюдов не следует пользоваться дорогими стильными рамами и багетами. В этом случае безупречность оформления лишь подчеркнет недостатки самой работы.

Выводы

Готовые паспарту и рамки, имеющиеся в широкой продаже, редко помогают гармонично оформить произведение изобразительного искусства. Поэтому типовым решениям следует предпочесть индивидуальный подход. При этом необходимо учитывать:

- законы восприятия;
- свойства самого произведения;
- особенности интерьера, в который будет помещено изображение.

автор: Игорь Ефремов
сайт автора: HobbyMaker’s

Как правильно подобрать паспарту
Добавил: Анна Бестужева (Bestuzheva)

Как выбрать багет для рамы?

   

Выбор багета процесс творческий, поэтому не бойтесь экспериментировать. Здесь мы попытаемся дать вам несколько простых и самых общих советов, однако самый первый совет – прежде всего, полагайтесь лишь на свой вкус и интуицию.

Зачем нужна рама?

Рама создает переход от окружающего нас объемного мира в двухмерный воображаемый мир картины. Кроме того, привнося декоративный эффект, она связывает изображение с окружающим пространством.

Выбери свой стиль.

Выбор стиля рамы, наряду с подбором цвета - главный и решающий элемент в оформлении произведения. Вопрос это не простой и заслуживает отдельной статьи, поскольку одних только стилей насчитывается более десятка. В настоящее время очень популярно и модно совмещение не совместимых стилей картины и рамы. Конечно это дело вкуса или таковы условия задачи декорирования, но при традиционном оформлении стили картины и рамы все же должны совпадать, то есть, например, для абстрактной картины или постера применяем современный по стилю багет, а для традиционного пейзажа или натюрморта – классический.

Размер имеет значение.

Как правильно подобрать ширину рамы? Правило очень простое - широкий багет на большие по размеру картины, узкий на маленькие.

Хороший баланс между шириной багета и размером картины.

Широкая рама добавит солидности и значимости произведению, тем более, если оно будет располагаться на «почетном месте» - над камином, столом или диваном. Широкая рама выглядит как часть самой картины. Невозможно представить некоторые известные живописные полотна в музеях без массивных рам.

Широкая рама добавляет картине основательности.

Очень часто широкий багет используют в качестве декоративного элемента при оформлении современной живописи и графики. Тонкие и легкие рамы подчеркнут изящество произведения, позволят лучше сконцентрировать на нём внимание, при этом первенство остается за картиной, а сама рама отступает в тень. Современная музейная классика часто оформлена в тонкие и средние рамы.

Тонкая рама - воздушно и современно.

На наш взгляд тонкие рамы предпочтительнее, когда картины или графика будут группироваться на стене. Хотя, как говорилось ранее, бывают исключения. Со вкусом подобранный широкий багет к небольшой картине, способен привнести в нее элемент роскоши и стиля, а комбинация широких и узких рам на стене задает определенный ритм.

Чересчур тяжелая рама

Цвет всему голова.

Выбор цвета рамы едва ли не самый важный вопрос и не простая задача, поскольку часто нужно идти на компромис, следить, чтобы рама одновременно подходила и к картине и к интерьеру.

При выборе рамы, общий, преобладающий тон картины, гораздо важнее одиночных локальных цветов. Изображения, преимущественно в теплых тонах (красный, оранжевый, желтый, коричневый), будут выглядеть лучше в рамах из дерева цвета орех или махогон, а также в не блестящем антикварном золоте.

Рама из ореха хорошо сочетается с теплым тоном акварели.

Картины, где преобладают холодные цвета (синий, зеленый, фиолетовый, серый) хорошо смотрятся в неокрашенном светлом дереве, серебре, либо в блестящем золотом багете.

К холодному синему цвету подходит серебряный багет.

Общее правило – используйте светлый багет к светлым картинам, а темный – к темным. Хотя, иногда из правил бывают удачные исключения. Изящные, тонкие и тёмные рамы могут прекрасно подойти светлым изображениям, поскольку не слишком утяжеляют их.

Золотые рамы - универсальны и благодаря множеству оттенков, подходят практически к любой картине.

Большинство современных, особенно абстрактных картин замечательно смотрятся в черном багете, точно так же как и работы, выполненные в импрессионистической манере. Для лучшего восприятия картины, цвет рамы должен отличаться от цвета стены, аналогично – цвет паспарту не должен совпадать с багетом. Подробней о выборе паспарту смотрите здесь.

О вкусах не спорят, однако не переусердствуйте.

Иногда приходится видеть оформленные картины – украшенные как новогодние елки, где рама составлена из двух или трех видов багета различных стилей. Конечно это дело вкуса, однако мы – за разумную достаточность и чувство меры и считаем такую комбинацию редко оправданной. По нашему мнению разработчики и дизайнеры багета уже позаботились о том, что бы он был самодостаточным, но для любителей комбинирования, в коллекциях ведущих европейских фабрик специально разработаны образцы, прекрасно дополняющие друг друга.

Счастливы вместе…..

Часто требуется подобрать багет к уже имеющимся в интерьере рамам. Чтобы они подходили друг к другу не нужно пытаться использовать тот же самый багет, достаточно выбрать схожий по стилю и (или) цвету.

Рамы различного размера и стиля, но одного цвета.

Рамы разного размера, но одного стиля и цвета.

То же самое - выбор рамы, сочетающейся с мебелью. Дорогие друзья, мы уверены, что багет должен подбираться к картине. За некоторыми исключениями, он не обязан полностью копировать вашу мебель. В раме могут присутствовать лишь некоторые ее нюансы – стиль, цвет, форма. Мы считаем, что это выглядит гораздо эффектнее полного соответствия.






Для оформления любых изображений на бумаге (фото, документы, рисунки, папирусы, постеры) мы настоятельно советуем применять стекло. Оно защитит ваше изделие от воздействия ультрафиолетового излучения, которое присутствует не только в дневном свете, но и в осветительных приборах. Также стекло гарантирует защиту от пыли.


Стекло

Обычно используют простое полированное стекло, но для особо ценных работ используют стекла с более высокими показателями. К ним относятся: матовое стекло, безбликовое, музейное безбликовое или пластиковое безбликовое стекло.

Простое полированное стекло
Тонкое 2-х миллимитровое художественное полированное стекло, недорогое, но достаточно сильно бликующее.


 
Безбликовое стекло
Безбликовое стекло тоньше обычного (1,8мм), благодаря специальному покрытию практически не бликует, задерживает до 53% ультрафиолета и защищает работу от выгорания, и, что немаловажно, обладает отличной цветопередачей – визуальное ощущение, что стекла практически нет.
 
 
 
 
Музейное безбликовое стекло

Музейное безбликовое стекло обеспечивает максимальную защиту от ультрафиолета (98%) и отличную цветопередачу (80%), идеально подходит для особо ценных и антикварных работ, требующих особого музейного хранения.
 
Пластиковое музейное безбликовое стекло 
Оно обладает всеми свойствами безбликового музейного стекла и преимуществами пластикового – легкий вес, его трудно разбить и, следовательно, повредить дорогостоящую работу осколками. Это - отличное решение для перевозок и дополнительная защита от музейных вандалов!
 
Пластиковое стекло
Пластиковое стекло – самое легкое, его трудно разбить. Оптимально подходит для оформления работ в детские комнаты, а также работ больших размеров. Но такое стекло имеет свои минусы- при неправильной эксплуатации легко подвержено царапинам, сильно электризуется и, соответственно, притягивает к себе пыль.


Источник: http://obrami.ru/materiali/steklo

Я б в художники пошел... Желание научиться рисовать – это уже 1% дела. Еще 1% уходит на поиски подходящей школы, кружка, группы, курса или преподавателя. Оставшиеся 98% воплощены в действии: нужно просто взять в руки карандаш, кисточку, мелок или фломастер, и НАЧАТЬ рисовать.

«Я всегда мечтала научиться рисовать», – подобные фразы мне не раз приходилось слышать от своих знакомых и друзей, от случайных людей на выставках, или в художественных музеях. Существует один очень эффективный рецепт – сразу же, как только появляется желание, нужно отложить все в сторону и рисовать, рисовать, рисовать! «Легко сказать», – возразила моя знакомая. А товарищ проникся обезоруживающей простотой рекомендации, взял шариковую ручку, блокнот и впервые после школьной скамьи нарисовал… не помню, что, но после этого его жизнь стала красочной в прямом смысле слова. Он купил пару кисточек, акварельные краски, альбом для рисования (а потом еще один, и еще), и начал отображать в нем все, что хочется, не беспокоясь, понравится кому-то его «мазня», или нет. Особенно он любит рисовать под музыку. Включает, к примеру, альбом Rubber Soul группы The Beatles, и за две-три минуты, пока звучит очередная композиция, изливает на бумагу впечатления.

В результате, когда его рисунки попали на глаза профессиональным художникам, они не только всерьез похвалили товарища-самоучку, но и сравнили его картины с работами импрессиониста Поля Гогена, знаменитого венгерского самоучки Тивадара Чонтвари и авангардиста Пауля Клее. Кстати, великий Клее начинал творческий путь на… кухне, простым карандашом по столу. Однажды Паулю очень захотелось рисовать, но под рукой не было ничего, кроме обычного карандаша и кухонного стола с однотонным серым паутинообразным узором. В результате многочасовых застолий с карандашом в руках Пауль выявил в узоре невероятное количество уникальных характеров, сюжетов и красивых абстрактных картин. Именно благодаря кухонным творческим посиделкам мир узнал о «Человеке, бегущем впереди себя» и прочих шедеврах Клее.

Грузинский примитивист Нико Пиросмани долго не размышлял, имеет он право рисовать или нет. Пиросмани рос сиротой в глухом селе, но находил возможность рисовать всегда и везде, чем угодно и на всем, что подвернется под руку. А у нашей всемирно известной примитивистки Марии Примаченко все начиналось так: «Якось біля хати, над річкою, на заквітчаному лузі пасла я гусей. На піску малювала всякі квіти, побачені мною. А потім помітила синюватий глей. Набрала його в пелену і розмалювала нашу хату». Все село сбежалось тогда любоваться чудо-хатой. А через некоторое время уже вся Европа и Америка восхищались живописью Примаченко.

Сделать шаг
Путешествие в мир Творчества начинается с реального шага. Его можно сделать дома, в офисе, а также на курсах рисования. Несмотря на успех знаменитых самоучек, хорошо бы все-таки пойти учиться. Школа придаст вам уверенности в собственных силах и научит технике, после чего вам не надо будет задумываться о том, КАК рисовать, а останется лишь выбирать – ЧТО. Опытный учитель раскроет секреты и тонкости, вдохновит, придаст смелости первым штрихам и мазкам.

Занятие в группе позволяет побороть банальную лень, организовать свое свободное время и получить массу удовольствия не только от самого процесса рисования, но и от общения с коллегами. Когда рядом кипит творческий «бульон», самому хочется стать участником Творения.

Что взять с собой
Собираясь на занятия, не забудьте взять: 1) карандаши (твердые – маркировка H, и мягкие – маркировка B); 2) ластик (имеющий острый край); 3) бумагу (ее плотность и размер зависят от техники); 4) резак (затачивать карандаш). Эти и другие материалы можно купить, например, в лавке Дома художника, или в магазине «Азур» (azur.com.ua).

Карандашом и кистью

С давних пор Киев славится хорошей художественной школой. В столице вы найдете немало хороших мастеров карандаша и кисти. Причем, что важно, таких, которые умеют передать свое мастерство другим, привить любовь к искусству. Итак, в Киеве взрослые и дети могут научиться рисовать здесь:

1) Центральный дом художника на Львовской площади, художественная студия Николая Гроха. Есть 9 групп, занятия проходят дважды в неделю по три часа, цена 150 грн/мес.

2) Художественная студия «Ярославна» на углу улиц Воровского и Гоголевской. Занятия по вторникам и субботам, есть две группы: а) академический рисунок (в том числе для тех, кто хочет поступать в художественный вуз) – трехмесячный курс стоит 600 грн; б) хобби-группа – одно занятие длится 3 ч, стоит 30 грн, по срокам не ограничена.

3) Национальная академия изобразительного искусства и архитектуры. Ближайшие курсы (рисунок, живопись и др.) начинаются с 1 ноября, стоимость 259 грн/мес. Здесь занимаются в основном те, кто собирается поступать в Академию.

4) Студия Натальи Борисенко на Левом берегу (возле метро «Левобережная»). Занятия проводятся дважды в неделю по три часа, 200 грн/мес.

5) Арт-школа «Азур» на ул. Рейтарской. 4-месячный курс стоит 2880 грн, занятия дважды в неделю по 3 ч. Пробное – 40 грн/ч. Есть также мастер-классы.

Для детей кружки рисования в таких местах:
1) Дом детского творчества на Контрактовой площади. Кружок рисования работает по средам и пятницам, бесплатно.

2) Детский творческий центр «Антошка» на Русановке. Занятия по рисованию (живопись) два раза в неделю, стоимость 100 грн/мес, первые ознакомительные занятия бесплатно.

А если вы настроены очень серьезно и имеете далеко идущие художественные планы, можно пойти на индивидуальные курсы с репетитором. Например, к таким художникам, как Анатолий Твердой, Александр Титов, Виктор и Валентина Быстряковы, Сергей Григорьев, Виталий Шостя (дизайн), Генрих Ягодкин. Такие занятия обойдутся примерно в $10/академический час, хотя единого тарифа не существует и точная цена будет установлена только после собеседования.

Зачем и почему рисуют нехудожники

Живопись не была профессией этих людей, но жизнь без рисования они себе не представляли.

Прививка от застенчивости
Принц обаяния – так во Франции называли Жана Маре. Актер театра и кино, живописец, скульптор, декоратор – он ставил спектакли, сочинял сказки для детей и сам стал легендой. Рисовал Маре с десяти лет, и рисунок помогал ему преодолеть застенчивость. Юношей, работая у фотографа, он стал приглядываться, как хозяин писал маслом. Вскоре и сам взялся за кисть. Пройдут годы, и Пабло Пикассо, увидевший картины зрелого Маре, скажет, что с таким талантом живописца нечего делать на «каких-то там киносъемках». Жан создавал эскизы костюмов для спектаклей. В 1976 г. в Париже состоялась выставка скульптур знаменитого актера, вышла книга его воспоминаний и сборник сказок, лично им проиллюстрированных. С годами Маре все меньше снимался в кино. Он писал картины, делал оригинальные вазы и статуэтки, на которых ставил изящный автограф. В городке Валлорисе в его честь называют перекресток, находящийся перед его магазином, – площадь Жана Маре. Его скульптура сейчас украшает эту площадь. Гражданин города, Жан Маре принимал участие в местном празднике гончаров, для которого всегда рисовал афиши. И с присущей ему скромностью отказывался от похвал: «Я делаю скульптуры не потому, что я скульптор, рисую не потому, что я художник, пишу не потому, что я писатель. Я только развлекаюсь, и вы это знаете. Снимите ваши искажающие очки. Я даже не знаю, являюсь ли я настоящим актером».

Побег из тюрьмы
Коллажи Сергея Параджанова собраны из кусочков тканей, бисера, монет и камешков. Коллаж для кинорежиссера Параджанова – это спрессованный фильм. Хотя бы в коллажном творчестве великий режиссер был свободен от цензуры. При этом особой яркости его мастерство достигло именно тогда, когда он сидел в тюрьме. Параджанов сам говорил: «Создавая по коллажу в день, я выжил в лагере». Он писал из тюрьмы, что увидел Джоконду, которая то улыбалась, то плакала. Оказалось – это наколка на спине зэка: лицо Джоконды менялось, когда человек двигался. Сергей Параджанов сделал коллаж из страниц «Огонька» – плачущая Джоконда: «Если я умру здесь, в тюрьме, Джоконда меня будет оплакивать». В картине-коллаже «Я продал дачу» с лестницы дома спускаются призраки тех, кто здесь бывал, гостил, кого продолжает любить хозяин, присутствующий здесь же в весьма эксцентричном виде – с крыльями из ракушек, скрипкой и зонтиком. Он создавал задумчивых фантастических рыб с чешуей из чего угодно, даже из сидений плетеных стульев. А свои знаменитые шляпы Параджанов собирал из кружевных перчаток, цветов, перьев и брошек. Есть и куклы, сделанные руками художника: бородатый мужчина с букетом цветов под названием «Параджанов в раю», Лиля Брик с глазами из красных бусинок. Но большинство его работ – не перескажешь. Они загадочны и необъяснимы как, впрочем, и само искусство, и сама жизнь.

Автор: Тарас Литвин, «24»


Посещая музеи и художественные галереи, мы не обращаем особого внимания на принцип развески картин, воспринимая это как нечто само собой разумеющееся. И только тогда, когда пытаешься разместить картины на стенах у себя дома, начинаешь понимать, насколько это трудная задача.

Однако есть ряд простых правил, которые помогут вам решить ее должным образом.

Типичная ошибка владельцев картин: они вешают свои шедевры слишком высоко. При этом часто упускают из виду, что картина для того и помещается на стену, чтобы ее было удобно рассматривать. Всегда старайтесь вешать картину чуть ниже, чем вам кажется необходимым, так как, скорее всего, рассматривать ее вы будете сидя, особенно если картина находится в столовой. Еще один нюанс состоит в том, что необходимо учитывать пропорции самой комнаты. Если у вас высокие потолки, а картины небольшие, то лучше размещать их рядами, организованными вокруг самого крупного экспоната. Все дизайнеры сходятся во мнении, что, помещая картину над диваном, не стоит оставлять между ними много свободного места. Если у вас нет большой картины, то на стене над диваном прекрасно разместится несколько небольших.

Группировка картин при развеске - очень эффектный и распространенный прием. Существуют разнообразные способы группировки: от строго симметричной "сетки" до ярусной развески разных по размеру произведений. Группа должна состоять из картин, близких по стилю. Например, это могут быть акварели, или серия картин с изображениями на единую тему, или черно-белые фотографии, или эстампы. Самый простой вариант аранжировки картин одинакового размера - поместить их в один ряд на равном расстоянии. Можно "привязать" их расположение к ширине дивана, так чтобы коллекция воспринималась как единое целое с мебелью.

Можно собрать Группу, организовав небольшие картины вокруг большой. А вот еще один вариант развески: разместив картины на единой оси, небольшие выстраиваются в ряд на одинаковом расстоянии (в нескольких сантиметрах друг от друга), а главный шедевр помещается чуть правее или левее, примерно на 30-сантиметровом удалении от группы.

Вешая две картины разного размера рядом, старайтесь большую поместить выше, чтобы небольшое изображение удобнее было рассматривать. Картины, близкие по размеру, лучше повесить в регулярном (симметричном) порядке. Избегайте размещения картин в порядке увеличения или уменьшения размера, так как обычно такие "пирамиды" выглядят весьма непривлекательно.

Если вы разместите на одной стене произведения разного художественного уровня, то более слабые будут выглядеть приличнее в соседстве с шедеврами.

Установите картину на пюпитре или мольберте. Во-первых, это выглядит очень необычно и стильно, а во-вторых - это дает возможность сначала (прежде чем вешать картину на стену) понять, хорошо ли смотрится данное произведение в интерьере, в который вы его поместили. Возможно, вы через некоторое время решите, что это "не ваша" картина и безболезненно расстанетесь с ней.

Если в доме есть камин, то над ним можно повесить большую картину (даже если сам камин небольшого размера), и она сразу станет композиционным центром комнаты. Другие дизайнеры, напротив, рекомендуют помещать над камином маленькую картину, оставляя вокруг нее достаточно свободного пространства. Такое расположение, с одной стороны - дань современной моде, а с другой - дает возможность сконцентрировать внимание на изображении. Так или иначе, цель всех подобных приемов состоит в том, чтобы произвести на зрителя максимальное впечатление.

Важный элемент - подсветка. Большинство дизайнеров сходятся во мнении, что лучше позаботиться о хорошем освещении комнаты, чем монтировать подсветку каждой картины в отдельности. Но для освещения особо значимых экспонатов или картин очень больших размеров, когда обычных источников света недостаточно, все же рекомендуется использовать дополнительную подсветку. Идеально, если она будет встроена в раму, тогда подсветку не придется переносить, если вы захотите перевесить картину. Основные проблемы при ее установке возникают в связи с тенями и бликами. Направьте лампочку на картину и, плавно перемещая ее и меняя угол, выберите точку, исходя из которой, свет будет падать на картину, а бликов и теней совсем не будет. Постарайтесь использовать низковольтные галогенные лампочки - они обычно небольшого размера и излучают направленный поток белого оттенка, который не искажает естественные краски живописного полотна.

Есть универсальное правило размещения картин. Проведите воображаемую "серединную" линию по стенам комнаты. Она должна находиться на уровне глаз (традиционная музейная высота развески - 152 см). Развесьте картины так, чтобы воображаемая линия пересекала их посередине. Если вам необходимо поместить на стену группу картин, сложите их высоту с учетом рам и промежутков между ними. Затем, разделив пополам полученное число, найдите картину, оказавшуюся в середине, и поместите ее на уровне серединной линии. Для того чтобы грамотно развесить картины, можно также сделать следующее: отодвиньте мебель от стены, на которую предполагается поместить картины. Разложите их в предполагаемом порядке на полу и отойдите на несколько шагов. Такой взгляд на собранную группу поможет вам лучше представить, как она будет смотреться на стене, и при необходимости поменять картины местами.



Источник: http://Нaталья Штoльц (Интeрьер и Дизайн, май,01)

Место для картиныи ее размещение.

Наполнять свой дом картинами очень приятно. Каждая новая картина, фотография, гобелен, гравюра помогают вашим стенам оживать. Мы наполняем интерьер новой жизнью. И отражаем в нем наши идеи и творческие пристрастия. За счет картин появляется ощущение завершенности и гармонии. Это чувствуется в старинных домах-музеях открытых для посещений.

Вешать картины -  прекрасное и очень важное дело. Интерьер, в котором грамотно размещена любая картина, существенно меняется.  Крепление для картины должно быть надежным и очень основательным. Сделаем его с запасом, чтобы исключить любые каверзные ситуации.

Итак, мы воспользовались дрелью, приобрели галерейную систему, придумали новый способ и столкнулись с тем, что необходимо выбрать правильную высоту и соотношение с соседними картинами. Есть очень важная деталь  - картина должна висеть на уровне глаз. Независимо от того какой высоты в помещении потолки – уровень глаз смотрящего – определяющий критерий. Картина – для глаз. И наш радостный, уставший, ищущий и очень требовательный глаз, всегда должен видеть повешенную для него картину, а нее ее «ноги». Давайте применять принцип – вывешивать  картины по нижнему краю рамы. Проведем условно линию, и по ней выровняем работы. Этим мы объединяем картины в одном помещении. Не сходными по цвету и орнаменту рамами, а именно за счет размещения на стене. Смотреть, на развешенные таким образом картины, очень легко и приятно. Удачи.  


Форма входа

Поиск


Онлайн всего: 1
Гостей: 1
Пользователей: 0